Ci sono dolori che restano. Impressi nella mente e nel cuore. Pronti a bussare alla porta della coscienza, come feroci fantasmi mai sazi. Spettri di una malinconia che nessuna gioia può sconfiggere. Indistruttibili nemici in una battaglia destinata a proseguire per sempre, senza alcuna possibilità di definitiva redenzione. Tormenti crudeli che prima o poi rischiano di deflagrare, annullando le ultime barriere per conquistare definitivamente il trono della sofferenza.
La famiglia Leblanc subisce un duro stravolgimento nel momento in cui, all'improvviso, il padre Guy muore, apparentemente per un attacco cardiaco. La verità è però un'altra, ben più difficile da accettare. Una realtà che per tanti anni viene taciuta a David, uno dei cinque figli, il più fragile e sensibile. 
Il tempo passa, lo shock per la tragedia pare essere superato, la vita prosegue. David eredita dal padre l'attività di casa, un laboratorio artigianale di ideazione e realizzazione di marionette. A sua volta mette in piedi una nuova famiglia sposando Marie, che gli regala due figli, Laurence e Frédéric. Il giorno in cui David scopre finalmente le vere modalità della morte del padre, la sua già labile forza mentale vacilla. Altri anni passano ma l'uomo, dietro ai sorrisi di circostanza, continua a soffrire pene incolmabili, pervaso da una profonda angoscia esistenziale che non conosce soluzione. Forse soltanto seguendo le orme del padre, fino in fondo, egli potrà trovare la pace.

La sezione Cineasti del Presente si è rivelata uno dei fiori all'occhiello dell'edizione 2015 di Locarno, regalando al pubblico tante opere di notevole qualità, tanto da porsi sullo stesso livello del concorso internazionale. Oltre all'intrigante The Waiting Room e ad altre pellicole di ampio interesse come il Dom Juan di Vincent Macaigne e Le grand jeu di Nicolas Pariser, ha ottenuto evidenti e meritati consensi, tra gli altri, anche Les Êtres chers, secondo lungometraggio dell'autrice canadese Anne Émond, classe 1982.
La regista scrive e dirige un melodramma compatto, denso, struggente, solido e concreto, confermando ancora una volta l'ottimo stato di forma del cinema canadese di stampo francofono; non a caso proprio Locarno, due anni fa, fu teatro della scoperta dello splendido Gabrielle, di Louise Archambault, con cui peraltro Les Êtres chers condivide il direttore della fotografia, Mathieu Laverdière. La Émond espande la sua narrazione in un arco di tempo di oltre vent'anni, focalizzandosi su una piccola saga familiare che inizia nel 1978 e prosegue sino all'alba del nuovo millennio. Aiutata da un cast ordinato ed efficace, a partire dal bravo protagonista Maxim Gaudette, la regista pennella un nostalgico e delicato quadro in cui osserva con il giusto pudore un “male di vivere” destinato purtroppo a non spegnersi mai.
Il concetto chiave alla base della storia è l'unione familiare, decisa e incorruttibile; David, sconvolto per la morte del padre e basito nell'attimo in cui, tempo dopo, scopre la verità nascosta, trova un'unica valvola di benessere nell'atto di fondare a sua volta un nuovo nucleo a cui dedicare ogni particella della sua energia, cercando di coinvolgere i propri cari in un legame forte e indissolubile, similmente a ciò che lui aveva edificato nei confronti di genitori e fratelli. La scena in cui David lavora nel suo laboratorio di marionette, insieme alla moglie e ai figli, tutti impegnati a dare una mano, e afferma quanto sia bello e commovente essere lì, insieme, condividendo un momento e un obiettivo, è la perfetta raffigurazione con cui affermare l'importanza capitale di avere un nido intimo in cui ritrovare ogni giorno sorrisi e certezze, nonostante le saltuarie e inevitabili incomprensioni che talvolta si creano.
Nella genuina e quasi infantile felicità di David nel vedere all'opera la propria famiglia si attua al contempo una disperata richiesta di aiuto, urlata a se stesso da un uomo in bilico sulla pericolosa fune di un tedio da cui invano cerca e cercherà di sottrarsi. I sorrisi, i baci, il calore del focolare domestico, per quanto unici e meravigliosi, non sono infatti sufficienti per eliminare le tracce sanguinanti di un dolore senza nome, troppo forte per poter essere in qualsiasi modo mondato e annullato. David è una creatura inadatta a questa vita, un'anima debole ricoperta da un manto di perenne inquietudine, una foglia che cerca disperatamente di restare attaccata al proprio ramo ma rischia di volare via in qualsiasi istante. Gli resta così un'unica missione, un'unica via di parziale salvezza: donare alla moglie, alla madre e ai figli tutto l'amore di cui dispone, prima che il vento lo porti lontano.
Il film della Émond suscita emozione per come sa rappresentare la melancolia senza mai risultare invasivo. La messinscena dell'autrice canadese è sempre sussurrata, controllata, e sa far esplodere significati decisivi dalla tristezza di uno sguardo, dall'ombra nascosta in un sorriso, dotandosi inoltre di bellissimi raccordi visivi che lasciano espandere la vicenda lungo gli anni scivolando da un periodo all'altro senza che quasi ce ne si accorga. Una fluidità di manovra che abbraccia un racconto soffuso e toccante, al termine del quale resta solo una cosa da fare: guardare avanti, per “veder crescere le persone che amiamo” e onorare così la memoria di chi ci ha voluto bene.

Alessio Gradogna

Sezione di riferimento: Festival Locarno


Scheda tecnica

Regista: Anne Émond
Interpreti: Maxim Gaudette, Mickaël Gouin, Valérie Cadieux, Karelle Tremblay
Fotografia: Mathieu Laverdière
Musiche: Martin Léon
Sceneggiatura: Anne Émond
Montaggio: Mathieu Bouchard-Malo
Anno: 2015
Durata: 102'

Accade molto spesso, per non dire quasi sempre, di essere totalmente o in parte in disaccordo con i premi assegnati nei festival più importanti. In questo caso però, per una volta, il discorso si ribalta completamente. Con vivissimo entusiasmo e un po' di sorpresa accogliamo infatti il verdetto della giuria internazionale di Locarno 68, capitanata da Udo Kier, che ha assegnato il massimo riconoscimento, il Pardo d'Oro, proprio al film che noi più abbiamo amato in questa edizione, ovvero lo splendido Right Now, Wrong Then di Hong Sang-soo.

Il bellissimo lavoro di Hong porta inoltre a casa il premio per il miglior attore, andato al bravo protagonista Jung Jae-Young, mentre si segnala con una certa soddisfazione anche il premio per la miglior regia, assegnato al controverso ma coraggiosissimo Andrzej Zulawski per Cosmos.

Si chiude così nel migliore dei modi un'edizione che ha offerto tantissimi spunti di ricerca, scoperta e interesse, confermando per l'ennesima volta, in modo chiaro e lampante, la posizione primaria e il ruolo indispensabile di Locarno nel panorama festivaliero europeo (e non soltanto). 

Qui sotto il palmarès completo. Cliccando sui link sopra evidenziati potete leggere le nostre recensioni dei film di Hong e Zulawski.

Alessio Gradogna

Sezione di riferimento: Festival Locarno


Concorso internazionale

Pardo d’oro
JIGEUMEUN MATGO GEUTTAENEUN TEULLIDA (Right Now, Wrong Then) di HONG Sangsoo, Corea del Sud

Premio speciale della giuria
TIKKUN di Avishai Sivan, Israele

Pardo per la miglior regia
ANDRZEJ ZULAWSKI per COSMOS, Francia/Portogallo

Pardo per la miglior interpretazione femminile a:
TANAKA SACHIE, KIKUCHI HAZUKI, MIHARA MAIKO, KAWAMURA RIRA
per HAPPY HOUR di HAMAGUCHI Ryusuke, Giappone

Pardo per la miglior interpretazione maschile
JUNG JAE-YOUNG per JIGEUMEUN MATGO GEUTTAENEUN TEULLIDA (Right Now, Wrong Then) di HONG Sangsoo, Corea del Sud

Menzioni speciali
Per la sceneggiatura di HAPPY HOUR di HAMAGUCHI Ryusuke, Giappone
Per la fotografia di Shai Goldman per TIKKUN di Avishai Sivan, Israele


Concorso Cineasti del presente

Pardo d’oro Cineasti del presente – Premio Nescens 
THITHI di Raam Reddy, India/Stati Uniti/Canada

Premio speciale della giuria Ciné+ Cineasti del presente
DEAD SLOW AHEAD di Mauro Herce, Spagna/Francia

Premio per il miglior regista emergente
LU BIAN YE CAN (Kaili Blues) di BI Gan, Cina


First Feature

Swatch First Feature Award (Premio per la migliore opera prima) 
THITHI di Raam Reddy, India/Stati Uniti/Canada

Swatch Art Peace Hotel Award
SINA ATAEIAN DENA per MA DAR BEHESHT (Paradise), Iran/Gemania

Menzioni speciali
LU BIAN YE CAN (Kaili Blues) di BI Gan, Cina
KIEV/MOSCOW. PART 1 di Elena Khoreva, Russia/Estonia/Ukraina


Pardi di domani

Concorso internazionale

Pardino d’oro per il miglior cortometraggio internazionale – Premio SRG SSR 
MAMA di Davit Pirtskhalava, Georgia

Pardino d’argento SRG SSR per il Concorso internazionale
LA IMPRESIÓN DE UNA GUERRA di Camilo Restrepo, Francia/Colombia

Nomination di Locarno agli European Film Awards – Premio Pianifica
FILS DU LOUP di Lola Quivoron, Francia

Premio Film und Video Untertitelung 
MAMA di Davit Pirtskhalava, Georgia

Menzione speciale
NUEVA VIDA di Kiro Russo, Argentina/Bolivia


Concorso nazionale

Pardino d’oro per il miglior cortometraggio svizzero – Premio Swiss Life
LE BARRAGE di Samuel Grandchamp, Svizzera/Stati Uniti

Pardino d’argento Swiss Life per il Concorso nazionale
D’OMBRES ET D’AILES di Eleonora Marinoni, Elice Meng, Svizzera/Francia

Best Swiss Newcomer Award
LES MONTS S’EMBRASENT di Laura Morales, Svizzera

 
Prix du Public UBS

DER STAAT GEGEN FRITZ BAUER di Lars Kraume, Germania
 
Variety Piazza Grande Award

LA BELLE SAISON di Catherine Corsini, Francia

Un film. Anzi due. Simmetrici e speculari. La medesima storia raccontata da due prospettive diverse. Un piccolo gioco strutturale con cui mostrare come la stessa vicenda possa subire imprevedibili variazioni di significato cambiando leggermente le parole, i gesti e i comportamenti. Un'opera che riflette se stessa allo specchio, dando vita a diverse possibili opzioni di senso e svolgimento, uguali e contrarie, per affermare come nella nostra quotidianità sia sufficiente una leggera variazione di tono per creare una melodia simile ma al contempo profondamente nuova e sorprendente.

Right Now, Wrong Then, ritorno a Locarno di Hong Sang-soo due anni dopo il premio per la miglior regia ricevuto per Our Sunhi, era uno dei film più attesi tra i diciannove selezionati per il concorso ufficiale dell'edizione 2015. L'alta aspettativa non è andata delusa, tutt'altro.
La storia parte dal volto di Ham Chun-su, famoso regista che atterra nella cittadina di Suwon per tenere un dibattito alla fine della proiezione del suo nuovo film. L'autore arriva però a destinazione con un giorno d'anticipo. Per ammazzare il tempo Ham passeggia in un territorio che non conosce, annoiandosi, fino a quando per caso conosce una giovane pittrice. I due chiacchierano, sorridono, approfondiscono il loro nuovo rapporto, mangiano e bevono insieme. Lei gli mostra i suoi quadri, poi gli chiede di accompagnarla a casa di un paio di amiche con cui ha appuntamento. Tutto sembra procedere per il verso giusto, sino al momento in cui Ham confessa di essere sposato. A quel punto il cuore in subbuglio della ragazza subisce una dura delusione, a causa della quale il suo atteggiamento muta, transitando dall'attrazione al rifiuto. La vicenda cambia registro, si avvia verso una conclusione forse prevedibile... e poi rincomincia, daccapo, da zero, con gli stessi personaggi, lo stesso incipit, le stesse probabili direzioni. Ma la seconda versione di questa piccola danza di corteggiamento avrà passi e conseguenze diverse.

Hong Sang-soo prosegue nell'evidente intenzione di asciugare sempre più le peculiarità della sua poetica, lasciando spazio a una messinscena durante la quale ogni orpello stilistico è accantonato a vantaggio di una intima, genuina e umanissima rappresentazione dei sentimenti, dei sani imbarazzi, dell'importanza della parola come atto fondante di qualsivoglia relazione interpersonale. Il grande regista coreano si prende i tempi di cui ha bisogno, non accelera mai, lascia fluire il suo racconto “unico e doppio” con la dovuta calma, trovando il giusto respiro e confezionando un'opera di toccante e disarmante tenerezza. Il meccanismo da cui si dipana la sceneggiatura necessita di un certo impegno da parte dello spettatore, e alla lunga può risultare stancante. Ma l'eventuale “fatica” della visione si annulla davanti all'irresistibile grazia con la quale Hong circonda i suoi due protagonisti, i bravi Jung Yae-young e Minhee Kim, donando a entrambi una sorta di aura magica da cui fuoriesce un'empatia indiscutibile.
La piccola e struggente danza dei sentimenti messa in atto dall'autore di In Another Country, durante il quale già aveva sperimentato una sorta di moltiplicazione dell'unicità del racconto (là Isabelle Huppert interpretava tre diversi personaggi), non pretende di fornire alcuna soluzione, come ribadito dallo stesso Hong in conferenza stampa, ma lascia a ogni fruitore la possibilità di trovare il proprio senso e la propria interpretazione. Right Now, Wrong Then non offre facili risposte; preferisce limitarsi a un efficacissimo afflato descrittivo con cui il regista disegna una splendente e dolcissima cartografia dell'amore, trovando inoltre il giusto passo per inserire nel racconto momenti di sana e vivace allegria che sanno confluire alla perfezione nelle tortuosità più malinconiche. 
Il risultato è un film bello, soave, a suo modo perfino delizioso nonostante la durata forse eccessiva. Un film a cui si vuol bene sin dal primo istante. Una morbida ma concreta commedia umana che si risolve in un (doppio) finale sotto la neve, tra una sigaretta e l'altra, fuori da un cinema semi-vuoto, dove ci si scalda con i battiti del cuore, si accantonano le incomprensioni e ci si marchia indelebilmente addosso l'emozione per ciò che si è vissuto, anche se per poco. Un ricordo limpido e delicato che mai volerà via.

Alessio Gradogna

Sezione di riferimento: Festival Locarno


Scheda tecnica

Titolo originale: Jigeumeun matgo geuttaeneun teullida
Regia: Hong Sang-soo
Attori: Jung Jae-young , Minhee Kim
Musiche: Jeong Yong-jin
Sceneggiatura: Hong Sang-soo
Montaggio: Hahm Sung-won
Anno: 2015
Durata: 121'

La decostruzione del concetto primario di narrazione cinematografica. La glorificazione dell'arte del linguaggio. L'approdo in un mondo parallelo a sua volta grembo di altri infiniti mondi. La raschiante risata promossa a strumento con cui ritrarre la mostruosità umana. La sconquassante sciarada di una realtà in cui perfino la parola "follia" risulta antiquata e insufficiente. 
Tutto questo, e molto di più, è Cosmos, attesissimo ritorno (dopo 15 anni) di Andrzej Zulawski, presentato in anteprima mondiale a Locarno. Un film che parte da una base assai complessa, il romanzo di Witold Gombrowicz pubblicato nel 1965, traghettato sul grande schermo con il desiderio di “rispettarlo e al contempo reinventarlo”, per usare le parole pronunciate dal regista in occasione della conferenza stampa svizzera.
Qui, in un luogo senza luogo e in un tempo senza tempo, si sviluppa un racconto la cui trama risulta un orpello di difficile descrizione e di aleatoria importanza. In breve, la vicenda ruota intorno agli strani eventi che si sviluppano in una pensione di campagna nella quale per qualche giorno soggiornano come ospiti Witold, studente che non ha superato gli esami di diritto e Fuchs, giovane appena licenziatosi da una società di moda parigina. La bucolica tenuta è gestita da una bizzarra coppia di coniugi di mezza età e dalla loro affascinante figlia, sposata con un architetto. Witold si innamora della ragazza, mentre davanti ai suoi occhi accadono eventi misteriosi, con passerotti e polli impiccati e inspiegabili disegni che appaiono dal nulla sul soffitto. La ricerca del responsabile di questi inusuali accadimenti guida la messinscena.

Se si volesse in qualche modo incastonare Cosmos all'interno di un genere, lo si potrebbe forse definire una sorta di “giallo psicologico”. Ma sarebbe una forzatura, in quanto il lavoro zulawskiano rifugge qualsiasi schema e forma preconcetta, diluendosi invece in un meccanismo anarchico in cui nel mondo delle apparenze si annidano una quantità indefinita di altri universi paralleli, e dove la realtà fattuale smarrisce volutamente ogni confine logistico e filosofico.
Il poliedrico globo pulsante di Cosmos è un purgatorio terreno in cui la parola diviene divino contenitore di traiettorie oblique nelle quali ogni deviazione è permessa e ben accetta, in una ascensione linguistica che crea una nuova e sconvolgente forma di retorica. Allo stesso modo le classiche costrizioni comportamentali dei membri della società conosciuta si disperdono come polvere nel vento, lasciando strada ad atti strampalati che coinvolgono tutti i personaggi trasformandoli in danzatori dell'alienazione umorale.
Il non-luogo in cui si sviluppa la vicenda diventa così un humus fertile e godereccio in cui si impiccano passeri e gatti, si sbraita sopra e sotto i tavoli, ci si muove furtivi strisciando in una notte senza buio, si resta in momentaneo stato catatonico quando si è colti da eccessivi singulti emotivi, si citano a piè sospinto fonti letterarie che confluiscono nella tangibilità del quotidiano, si innalza sopra i cieli del benessere borghese la ferina crudeltà dell'uomo.
Il ritorno di Zulawski è un piatto in cui gli ingredienti si divorano tra loro, mischiando sapori e profumi, trovando infine un gusto mai assaggiato prima. È un frenetico ballo libertino che scatena le abilità attoriali di una splendida Sabine Azéma, di un inarrestabile Jean-François Balmer e dei promettenti Jonathan Genet e Victoria Guerra. È una sorta di teatro-cinema in cui trovano posto insulsi bastoni conservati per decenni, cameriere con un labbro sfigurato, insetti nelle cibarie, preti con sciami d'api sotto la tonaca, citazioni di Pasolini, Dante, Sartre e Chaplin, spazi chiusi di buñueliana memoria, urla sfinenti e coscienze morenti. È soprattutto, all'alba del 2015, un coraggioso e irresistibile e insopportabile atto di coraggio e sfida.

Se per un momento volessimo fare un giochino, confrontando i giudizi espressi a caldo da pubblico e addetti ai lavori dopo la proiezione locarnese, non ne verremmo a capo: si transita da “immenso” a “indecente”, da “straordinario” a “imbarazzante”. Al di là delle estremizzazioni, spesso frutto di passioni viscerali o contestazioni aprioristiche che in entrambi i casi poco hanno a che fare con l'attività critica, non si può negare come Zulawski abbia accolto su di sé un rischio enorme, scegliendo una materia già in partenza quasi infilmabile e decorandola con ulteriori scarti stilistici che ne rendono ancor più greve la fruizione. Ma va anche dato atto all'autore polacco (ormai naturalizzato francese), in passato capace di sconvolgere menti e cuori con pellicole devastanti come Diabel, Possession e Szamanka, di aver voluto gridare al cinema, ancora una volta, il proprio rifiuto a sottoporsi a qualsiasi normalizzazione, optando al contrario per un progetto che solo lui e pochissimi altri, in questi tempi di deprimente standardizzazione, avrebbero potuto affrontare.
Nelle sue catapulte lessicali, nei suoi stacchi di montaggio “sbagliati”, nei suoi doppi e tripli non-finali, nella sua stralunata bulimia, Cosmos è un viaggio ipnotico dentro uno spazio velenoso e sferzante dove si inciampa, si cade, ci si rialza, si cade di nuovo, fino a che davanti agli occhi si apre uno scenario invitante e respingente, angelico e perfido, lussurioso e laido. A ognuno di noi spetta il compito di decidere se raggiungerlo o andarsene, e se dare o meno una chance a un'opera-limite che in qualche modo, nel bene e nel male, lascerà comunque un segno.

Alessio Gradogna

Articoli correlati: Cosmos - Conferenza stampa Zulawski (con foto e video)

Sezione di riferimento: Festival Locarno


Scheda tecnica

Regia: Andrzej Zulawski
Attori: Sabine Azéma, Jean-François Balmer, Jonathan Genet, Johan Libéreau, Victoria Guerra, Clémentine Pons
Fotografia: André Szankowski
Musiche: Andrzej Korzynski
Montaggio: Julia Gregory
Anno: 2015
Durata: 103'

Ottantuno anni, quasi ottantadue. Il corpo è ancora in ottima salute, la mente no. Il problema sta su, nella testa, dove la memoria inesorabilmente comincia a svanire. Ti ricordi cosa hai fatto trent'anni fa, ma ti dimentichi cosa è successo ieri. Non riesci a perdonare un ex grande amico che ti ha tradito molto tempo prima, sei attorniato da flashback di quando eri bambino, ma non ti ricordi più cosa ti è stato detto un'ora fa. Tua figlia Carole fa di tutto per occuparsi di te, trova badanti che puntualmente fai ammattire perché sei convinto di non aver bisogno di alcuna assistenza, sei cocciuto e testone e anche un po' cattivo e crudele con chi cerca solo di farti del bene.
Nel frattempo aspetti l'altra tua figlia, quella più amata, Alice; dalla Francia si è trasferita a vivere in Florida, ma sai che a breve ti verrà a trovare. Non vedi l'ora. Solo che Alice è morta in un incidente d'auto nove anni fa. Ma l'hai dimenticato. Cerchi la solitudine e in realtà ne sei terrorizzato, sprizzi orgoglio ma sei fragile, tratti a male parole Carole e aspetti la tua Alice. Perché lei verrà, presto. Ne sei talmente convinto che ordini una gigantesca palma da piantare nel tuo giardino, affinché al suo arrivo possa ritrovare in qualche modo il paesaggio della Florida. Quando alla fine sei stufo di aspettare tagli la testa al toro e fai un ultimo viaggio, un'ultima follia: sfuggi ai controlli dell'ottusa Carole e sali su un aereo. Destinazione Florida. Per riabbracciare quell'adorata figlia che in realtà non c'è più.

Philippe Le Guay da qualche anno a questa parte conferma un ottimo stato di forma, confluito in una maturità artistica definitiva e raggiante. Dopo due lavori riuscitissimi, il gradevole Les femmes du 6e étage (Le donne del sesto piano) e il delizioso Alceste à bicyclette (Molière in bicicletta), l'autore classe 1956 per la prima volta gira un film tratto da un'opera preesistente, la pièce teatrale Le Père di Florian Zeller, e porta sullo schermo la storia non originalissima ma senza dubbio toccante di un anziano uomo che gradualmente perde contatto con la realtà, afflitto da una forma di Alzheimer che poco alla volta ne spegne la memoria a breve termine trascinandolo in un sempre più evidente stato di alterazione e confusione.
Claude Lherminier, il protagonista, elegante e carismatico, ex proprietario di una fabbrica la cui gestione è stata poi presa in carico dalla figlia Carole, è in fondo un uomo come tanti, almeno in apparenza; un signore benestante che non accetta di aver bisogno di aiuto. I dispetti e le false accuse con cui fa scappare una dopo l'altra le sue badanti, lo spregio con cui rispedisce al mittente l'affetto di Carole, la scomoda mania di chiedere a tutti dettagliate descrizioni dei propri rapporti sessuali, la rabbia con cui ricorda il tradimento dell'ex amico appena defunto, l'assurdo rifiuto di accettare che quell'individuo sia sepolto nello stesso cimitero dove anche le sue ossa riposeranno: tratti parziali di una personalità che rompe gli argini del buon costume, accantona le inibizioni e crolla sotto i colpi inclementi della malattia, sino a disintegrarsi in improvvise azioni estreme come urinare senza motivo sul cofano di una macchina o tirare una martellata in testa a chi non ti ha fatto nulla di male.
Nella mente di Claude i pensieri e le emozioni si accavallano, si contorcono, si rincorrono senza più un ordine preciso. Quando Claude viene ritrovato in strada, di notte, vagante in pigiama, e quando poi regala tutti i suoi risparmi a una badante rumena che subito dopo sparisce nel nulla, Carole giunge alla piena consapevolezza di come l'unica soluzione sia metterlo in una struttura dove infermiere professioniste possano prendersi cura di lui 24 ore su 24. Ma è una decisione sofferta, straziante, inaccettabile. Perché in fondo si parla di un uomo spaventato, regredito a un fanciullesco stato di perenne stupore e in grado di comprendere la propria situazione nei sempre più rari momenti di lucidità; un uomo buono che ha rimosso la scomparsa di Alice per non morire di dolore e che ora, nell'attesa di lei, trova un senso a giornate in cui i fatti e gli eventi accadono e poi svaniscono come cenere nel vento.

Le Guay compie in Floride un'operazione rischiosa: fondere due generi, commedia e dramma, creando un impasto in cui le due diverse modalità stilistiche possano diventare un unico soggetto narrativo. La risata e il pianto, l'ironia e la desolazione, lo sberleffo e la tragedia si inseguono dall'inizio alla fine, in ogni scena, alternandosi e amalgamandosi perfino all'interno di ogni singola inquadratura; una scelta ambiziosa, di non semplice realizzazione, che non sempre trova il giusto equilibrio ma sa regalare tanti momenti vibranti, in cui l'empatia con il protagonista giunge senza alcuno sforzo e rimane ben salda anche durante i titoli di coda, accompagnati dalla canzone Puisque vour partez en voyage, di Jean Sablon (1), e dopo la visione.
Per portare a termine il suo scopo Le Guay si affida a Jean Rochefort. Ne ottiene in cambio un'interpretazione gigantesca, in cui il grande attore crea un arcobaleno espressivo intriso di infinite sfumature di tono e colore, spingendo il proprio personaggio sino ai limiti di una personalità controversa che si reinventa sequenza dopo sequenza, acuendo volutamente i lati più ruvidi e mettendo in scena molto di sé, anche dal punto di vista materiale (2), per un possibile canto del cigno di straordinario impatto (3). Accanto a lui si muove con consumata abilità Sandrine Kiberlain, ormai da qualche anno nell'Olimpo delle migliori attrici francesi, scelta anche perché amica di Rochefort da molti anni e capace di reggere il peso del confronto in scena con un monumento vivente. Con loro si segnalano le presenze di Anamaria Marinca (4 mesi, 3 settimane e 2 giorni) e Laurent Lucas, spesso scelto per ruoli ombrosi (Alleluia di Du Welz, la seconda stagione di Les Revenants) ma qui chiamato a vestire i panni del rassicurante compagno che consola Carole nei tanti momenti di sconforto vissuti di fronte al crollo mentale del padre.

1) Il brano è cantato da Sandrine Kiberlain e Jean Rochefort. È stato proprio l'attore a consigliarne a Le Guay l'utilizzo.
2) La maggior parte degli estrosi vestiti indossati dal personaggio provengono dal guardaroba di Rochefort.
3) L'attore, ormai ottantacinquenne, ha dichiarato che questo dovrebbe essere il suo ultimo film. Se così fosse, sarebbe uno splendido saluto alle scene.

Trascinato dalla forza interpretativa di Rochefort, Floride destruttura la continuità temporale, alternando le immagini di Claude sull'aereo diretto a Miami e i fatti basilari accaduti nelle settimane precedenti. Noi spettatori lo accompagniamo in questo ultimo viaggio, tenendolo per mano, divertiti e commossi.

Alessio Gradogna

Sezione di riferimento: Festival Locarno, Film al cinema


Scheda tecnica

Regia: Philippe Le Guay
Attori: Jean Rochefort, Sandrine Kiberlain, Laurent Lucas, Anamaria Marinca, Clement Metayer
Fotografia: Jean-Claude Larrieu
Musiche: Jorge Arriagada
Sceneggiatura: Jérôme Tonnerre, Philippe Le Guay
Montaggio: Monica Coleman
Anno: 2015
Durata: 110'
​Uscita in Italia: 5 maggio 2016

Un attore lo è per sempre. Anche quando gli anni migliori sembrano ormai passati. Anche quando sei costretto a rincominciare dalla gavetta, partecipando a banali audizioni per spot pubblicitari, dopo che non molto tempo prima eri stato una star televisiva di primo livello. Ma l'arte resta nel cuore e nell'anima, nonostante tutto, e se il sogno di riportare in onda la trasmissione che ti ha reso celebre si presenta come un miraggio di improbabile riuscita, rimane comunque la voglia di provarci ancora. 
Allo stesso modo, anche la tua patria è per sempre. Nonostante tu l'abbia dovuta lasciare vent'anni prima, per sfuggire all'orrore della guerra e darti una possibilità di futuro. Il progetto è quello di tornare, in un modo o nell'altro, per ritrovare quel concetto di “casa” che altrove non potrai mai percepire, nonostante l'integrazione sia ormai stata ampiamente completata. Perché di casa ce n'è una sola.

The Waiting Room si è imposto come uno dei migliori film presentati nella ricca selezione Cineasti del Presente a Locarno 68, per poi approdare in concorso a Torino 33. Diretta da Igor Drlijaca, al suo secondo lungometraggio dopo Krivina (2012), la pellicola fonde in modo evidente finzione ed elementi autobiografici: il regista, nato a Sarajevo, si è infatti trasferito in Canada nel 1993, quando era bambino, a causa della guerra, e una strada molto simile è stata percorsa dall'attore protagonista, Jasmin Geljo, anch'egli uscito dalla ex Jugoslavia diversi anni fa per approdare in America in cerca di fortuna.
L'opera seconda di Drljaca contiene al suo interno almeno un paio di sentieri narrativi che sanno intersecarsi con buona fluidità: il racconto di un attore che non riesce ad accettare i dettami del tempo che passa e le tristi conseguenze di una carriera in declino, e la riflessione sui bisogni intimi di un uomo tanto rude nell'aspetto quanto fragile nella sostanza. Il protagonista Jasmin, nato in Bosnia ma da diverso tempo residente a Toronto, assume su di sé le caratteristiche comuni a tanti soggetti originari dell'Est Europa, fierezza, orgoglio, attaccamento alla propria patria, ma al contempo si fa piccolo e tremolante nel mostrare allo spettatore le insicurezze di chi non ha mai trovato la pace con se stesso.
Gli spiragli di gloria si sono ormai esauriti. Jasmin deve ripartire dalla gavetta. Prende parte a ogni possibile audizione rivolta a interpretazioni di poco conto, trova un lavoro parallelo completamente avulso dal mondo dell'arte ma necessario per non morire di fame, cerca di tenere in piedi la famiglia senza peraltro riuscire a evitare saltuari tradimenti. Al contempo ripete con il vecchio amico e collega gli sketch della trasmissione Tv che lo aveva reso popolare, progetta una tournée teatrale, conta i giorni che mancano al possibile ritorno a Sarajevo, sprona il figlio a intraprendere egli stesso la carriera d'attore, cerca un modo per far rivivere il passato e cancellare così l'abulia del presente.
Gli ambiziosi progetti di Jasmin vanno a cozzare con le incrostazioni della quotidianità, con i problemi da risolvere, con le delusioni e le disillusioni. Eppure, in lui, la speranza non muore, in quanto necessario ossigeno vitale da mantenere forte e pulsante con ogni mezzo. 
Nelle sue connotazioni meta-cinematografiche, pur in un contesto geografico assai differente, The Waiting Room trova alcuni punti in comune con il meraviglioso Sils Maria di Assayas, per come cerca di accorpare finzione e realtà, rappresentazione scenica e concreto intimismo, non-accettazione del tempo che passa e difficoltà ad adeguarsi a una nuova condizione in cui reinventarsi quasi da zero. Lo fa con intelligenza ed efficacia, grazie a una regia mai invasiva che alterna i piani di sviluppo della narrazione e si attacca alle mutazioni del volto del bravissimo Jasmine Geljo,  attore che davvero ha vissuto ciò che interpreta sullo schermo, subendo anche fastidiose discriminazioni: “quando sono arrivato in America all'inizio mi proponevano sempre la parte del killer, del maniaco o dello stupratore; nella loro visione delle cose chiunque venga dai paesi dell'Est Europa può fare solo questo tipo di ruoli”, ha raccontato il protagonista in sala al termine della proiezione. 
Con pazienza Geljo ha saputo sconfiggere i pregiudizi e costruire una bella carriera che nel film di Igor Drljaca trova forse per ora il miglior compimento; il suo alter-ego sullo schermo invece dovrà ancora lottare per avverare i propri sogni, ma non smetterà di inseguire l'arte e tutto ciò che essa contiene e rappresenta. Un amore che nessuna stupida guerra potrà mai del tutto uccidere.

Alessio Gradogna

Sezione di riferimento: Festival Locarno, Torino 33


Scheda tecnica

Regia e sceneggiatura: Igor Drljaca
Attori: Jasmin Geljo, Maša Lizdek, Filip Geljo, Cynthia Ashperger, Ma-Anne Dionisio
Fotografia: Roland Echavarria
Montaggio: Ajla Odobašić
Musiche: Mitchell Akiyama
Anno: 2015
Durata: 93'

La giornata di sabato 8 agosto a Locarno si è svolta indubbiamente sotto il segno di Andrzej Zulawski, presente al festival per l'anteprima mondiale del suo attesissimo Cosmos, ritorno alla regia dopo quindici anni con un film tratto dal complesso romanzo di Witold Gombrowicz. 
Impegnato come tutti a sopportare le torride temperature locarnesi, vicine ai quaranta gradi, Zulawski, accompagnato dalla splendente Sabine Azéma, dal produttore Paulo Branco e dagli altri attori del film, ha partecipato dapprima alla conferenza stampa riservata ai giornalisti, poi alla proiezione ufficiale per il pubblico con un rapido saluto, infine a un lungo e interessante incontro aperto a tutti.
Noi eravamo presenti nei tre diversi momenti, e abbiamo avuto modo di ascoltare le parole di uno Zulawski a tratti pensieroso a tratti loquace, pronto innanzitutto a esprimere con forza il desiderio di tornare alle origini del cinema, a un modo di girare che possa recuperare la semplicità di un tempo e allontanarsi da tutti gli orpelli tecnici che contraddistinguono le produzioni contemporanee.
L'autore ha spiegato come abbia cercato di rispettare il lavoro di Gombrowicz e al contempo abbia tentato di reinventarlo senza comunque tradirne lo spirito, tanto da riproporre in modo assolutamente fedele alcuni dei dialoghi presenti nel testo. Tornato dietro la macchina da presa dopo 15 anni "durante i quali, da spettatore di cinema, mi sono annoiato moltissimo", il regista di Possession, acclamato a gran voce un paio d'ore prima dai suoi fans e accolto sul palco dell'Auditorium Fevi da un emozionatissimo Carlo Chatrian, ha raccontato come abbia voluto realizzare un film su Gombrowicz e non una riflessione personale sui concetti legati alla sua visione del mondo. A differenza del romanzo, che si svolge in Polonia negli anni trenta, ha inoltre voluto proporre una messinscena che potesse essere ambientata ovunque e in qualsiasi momento, senza limiti spazio-temporali. Incentivato dalle domande del pubblico, Zulawski ha sfidato gli spettatori (a chi gli chiedeva cosa rappresenti per lui la follia nei film, ha replicato "le risponderò soltanto se saprà darmi una esatta definizione di cos'è la follia") senza nascondere il fastidio nei riguardi di alcune sterili polemiche (a una ragazza che con tono vagamente scocciato gli domandava se lui faccia film per il pubblico o per se stesso, ha risposto "questa è una domanda veramente stupida"). 
La discussione ha coinvolto anche gli altri partecipanti, prima fra tutte una squisita Sabine Azéma, disponibile e sorridente, che ha spiegato come tutte le sere gli attori si riunissero tra loro, senza la presenza di Zulawski, per provare insieme le scene che avrebbero dovuto girare il giorno dopo, e come abbiano dovuto imparare alla perfezione il testo, per essere poi liberi di interpretarlo in modo personale.
Il produttore, Paulo Branco, ha invece spiegato che il film è stato girato in neanche 40 giorni, con meno risorse economiche di quanto avrebbe sperato, sottolineando che al momento Cosmos non gode di alcuna distribuzione. La speranza è che ovviamente le cose possano migliorare dopo il successo locarnese, affinché da più parti si possa usufruire di un'opera-limite destinata a lasciare il segno.

Alessio Gradogna

Sezione di riferimento: Festival Locarno


Qui pubblichiamo alcune foto da noi scattate durante la conferenza stampa.

Qui invece proponiamo un video girato da noi con la parte iniziale dell'incontro con il pubblico, durante il quale nasce un siparietto in cui Zulawski, prima di cominciare a parlare, chiede una birra gelata per dissetarsi e combattere la calura.

Infine ecco due brevi estratti video in cui Sabine Azéma spiega come gli attori si siano dovuti preparare a fondo imparando a memoria ampie parti del testo di Gombrowicz, e come ogni attore si debba sempre reinventare, giorno dopo giorno.

Ormai è diventata un'abitudine. Una bella consuetudine radicata da lungo tempo e sempre più evidente e costante. Anche quest'anno, con la direzione artistica di Carlo Chatrian, il festival di Locarno, al via il 5 agosto, propone un programma sontuoso, superiore rispetto ad altre manifestazioni in teoria più blasonate ma in realtà in palese difficoltà e in netta crisi d'identità. Un cartellone straripante, per dieci giorni di cinema in cui si potrà spaziare tra mille suggestioni diverse, sempre sotto il segno della scoperta, della creatività, del coraggio, di una miscellanea stilistica in cui ognuno potrà trovare ampi motivi di gioia e sorpresa.

Michael Cimino, Edward Norton, Sabine Azéma, Cécile De France, Carmen Maura, Andy Garcia, Bulle Ogier, Marco Bellocchio: sono solo alcuni dei prestigiosi ospiti che interverranno a Locarno durante i dieci giorni di durata dell'evento, tra omaggi, premiazioni e conversazioni aperte al pubblico.
La selezione di Piazza Grande, come al solito, propone soprattutto titoli di ampio respiro dal punto di vista commerciale, senza peraltro mai dimenticare la qualità: nell'imbattibile cornice della Piazza, sullo schermo all'aperto più grande d'Europa, transiteranno tra gli altri Ricky and the Flesh di Jonathan Demme (con Meryl Streep, film d'apertura), Amnesia di Barbet Schroeder, Floride di Philippe Le Guay (con Jean Rochefort e Sandrine Kiberlain), il canadese Guibord s'en va-t-en guerre (con Suzanne Clément), La belle saison di Catherine Corsini, La vanité di Lionel Baier (ritorno a Locarno dell'autore di Les Grandes Ondes), Trainwreck di Judd Apatow e Southpaw di Antoine Fuqua (con Jake Gyllenhaal), oltre alla possibilità di rivedere capolavori come The Deer Hunter di Cimino e I pugni in tasca di Bellocchio. 
Il concorso ufficiale prevede ben 19 titoli, provenienti da tutto il mondo, tra cui si segnalano a una prima occhiata l'attesissimo Cosmos, ritorno alla regia di Andrzej Zulawski dopo 15 anni, Chant d'Hiver di Otar Iosseliani (con Mathieu Amalric), il fluviale Happy Hour di Ruysuke Hamaguchi (317 minuti), No Home Movie di Chantal Akerman, Right Now Wrong Them di Hong Sang-soo, Sulanga Gini Aran di Jayasundara, Suite Armoricaine di Pascale Breton e The Sky Trembles and the Earth is Afraid and the Two Eyes are not Brothers del talentuoso Ben Rivers. L'Italia sarà invece rappresentata dal bucolico Bella e perduta, di Pietro Marcello.
È solo l'inizio. Il programma è talmente ampio che non si contano nemmeno i lavori di sicuro interesse sparsi nelle numerose sezioni collaterali, tanto che risulta praticamente impossibile poter fare un elenco esaustivo dei titoli da non perdere, considerando anche il fatto che in alcuni casi si tratta di autori magari poco noti ma tutti da scoprire. Seguiamo così soprattutto l'istinto e proviamo a segnalare, nella fondamentale sezione Cineasti del presente, il trip-horror tedesco Der Nachtmahr, lo svizzero Keeper (melò adolescenziale con Kacey Mottet Klein, il ragazzo lanciato da Ursula Maier nel bellissimo Sister), il francese Le Grand Jeu (con André Dussolier e Melvil Poupaud) e il serbo-canadese The Waiting Room, storia di un attore in declino alla ricerca del proprio presente e del proprio passato, senza dimenticare Dom Juan, adattamento filmico dell'omonimo testo di Molière con attori della Comedie Française e regia affidata al buffo e irresistibile Vincent Macaigne (La bataille de Solférino, 2 automnes 3 hivers), qui al suo debutto dietro la macchina da presa con un progetto similare a quello realizzato due anni fa da Valérie Donzelli con Que d'amour, presentato proprio a Locarno.
Fuori concorso troviamo tra gli altri Garoto di Júlio Bressane, I sogni del lago salato di Andrea Segre e Le boit dont les rêves sont faits di Claire Simon, mentre tra i film delle giurie si segnalano su tutti L'ombre des femmes di Philippe Garrel (applauditissimo a Cannes), Unrelated di Joanna Hogg (in concorso due anni fa con il pregevole Exhibition) e il glorioso Scarecrow di Jerry Schatzberg. 
Non è ancora finita: una saporita retrospettiva dedicata a Sam Peckinpah, il concorso cortometraggi, molti autori esordienti, una carrellata di titoli provenienti dalla Svizzera, la sezione Open Doors quest'anno incentrata sull'Africa (Libia, Algeria e Tunisia), la Semaine de la Critique con sette titoli pronti a fondere fiction e rappresentazione documentaria, la storia del cinema con tanti splendidi film diretti o interpretati dai principali ospiti del festival, ulteriori mini-retrospettive dedicate ad autori come Marlen Khutsiev; un fiume in piena in cui navigare senza porsi alcun limite, per espandere i confini del cinema e scoprire orizzonti inattesi ed emozionanti. 
Una maratona debordante, accompagnata dal fascino anche scenografico di un festival che sconta purtroppo ancora limiti logistici (la “malagevolezza” di molti luoghi in cui si svolgono le proiezioni) ma che dal punto di vista prettamente artistico ha ormai raggiunto e consolidato un livello eccezionale, con pochi eguali in Europa e nel mondo, nonostante l'incomprensibile atteggiamento di alcuni appassionati e addetti ai lavori, soprattutto italiani, che continuano a snobbarlo preferendo mete “tradizionali” sempre più asfittiche.

Appuntamento in terra svizzera dal 5 al 15 agosto. Tutto il programma sul sito ufficiale.

Alessio Gradogna

Sezioni di riferimento: Locarno, News

Fa un cinema titanico e fluviale, Lav Diaz, e lo sappiamo. Un cinema che resiste ai codici canonizzati e alle durate standard per necessità e per intime ragioni espressive, come chi ha imparato a conoscerlo e ad amarlo ha avuto modo di apprendere sulla propria pelle. 
Il suo penultimo film, From What Is Before, cui ha fatto seguito Storm Children, Book 1 passato all’ultimo Torino Film Festival, conferma la caratura incredibile della sua arte e se possibile ne riafferma la potenza. Perché si tratta forse del suo film più sentito e necessario; dell’ode funebre a un paese che è casa (e famiglia) ma anche maledizione, che è consolazione ma anche divinità matrigna, umorale, temibile in quanto imprevedibile. 
Un’opera imperiosa e gigantesca, From What Is Before, Pardo d’Oro all’ultimo Festival di Locarno, la cui eco persiste e riaffiora nella mente anche a mesi di distanza dalla visione. Siamo nelle Filippine del 1972 e in un barrio si susseguono evidenti piuttosto oscuri: si sentono alcuni misteriosi e spaventosi lamenti provenire dal bosco, le mucche muoiono dopo essere state massacrate e squartate, delle abitazioni vengono date alle fiamme, gli uomini vengono ritrovati con addosso vistose ferite. Il dittatore Marcos ha rinnovato lo spietato magistero del suo brutale regime sul paese, che adesso si trova sottoposto ai rigidi dettami della legge marziale. 
Con una mirabile e tutt’altro che azzardata associazione che poteva essere pensata solo da un cineasta enorme, Diaz traduce quei segnali nefasti in profezie di una catastrofe tanto immanente quanto imminente, a riprova del fatto che il suo è un cinema che riproduce il respiro perduto del mondo, la forza impressionante e divorante della natura, la condizione di uomini posti ai margini della realtà globalizzata e che di quel sistema capitalistico non possono non essere il controcampo, tanto tragico quanto torrenziale, subissato non a caso da monsoni e grandi piogge. Perché la loro vita così come il loro dolore non conoscono mezze misure o edulcorazioni di nessun genere e pertanto scorrono entrambi senza limiti, inarrestabili come un’emorragia. O come un fiume di lacrime. 
“Questi sono tempi maledetti”, si dice nel meraviglioso dialogo tra due uomini che si appresta a chiudere il film, uno dei tanti momenti da tatuare nella memoria di un’opera che è un puro territorio esperienziale, in cui mettere in discussione se stessi con forza: le proprie convinzioni e i propri confini geografici in quanto esseri umani e cittadini, ma anche le proprie abitudini come spettatori, vessate dai canoni, dalle semplificazioni, dalle false apparenze in bella posa. 
Lav Diaz, oltre che un genio del cinema, è anche un sublime antropologo, un finissimo regista politico nel senso più alto e completo (perché non spiega mai, mostra soltanto), senza contare le sue eccezionali doti di rabdomante. Perché non si può definire altrimenti un uomo di cinema che prende lo spettatore e lo trascina in un universo estetico così ruvido ma non per questo non altrettanto poetico, in cui non esistono compromessi e le sue inquadrature fisse, quasi sempre in piano-sequenza, sono dei tableaux vivants di abbagliante nettezza, che inducono a un seduttivo rapimento dei sensi. Ognuno di essi è statico eppure iper-strutturato, parte da un’idea di regia magari semplice ma la sviluppa in modo sempre sorprendente, soffermandosi sulla contemplazione e sulla paralisi dell’inquadratura come scavo per penetrare i misteri del creato, del disegno divino, dei suoi personaggi. 
Ogni take di Lav Diaz è una scelta di campo risolutiva, uno sfregio a chi proprio non vuole abbattere il pregiudizio dell’ostilità nei confronti suoi e del suo cinema, oltre che una richiesta d’aiuto, un urlo, un allarme lanciato dai confini del mondo e diretto a ogni essere vivente sulla faccia del pianeta. From What Is Before è probabilmente il suo capolavoro proprio perché riesce ad amplificare tale dimensione panteista portandola alle estreme conseguenze, lavorando sul lato fortemente polarizzato del suo cinema senza nessun compiacimento - il film infatti è esente da certe asprezze più gratuite del passato di Lav Diaz, da certi radicalismi oltranzisti - e ponendosi così come un opus magnum sì interminabile ma anche di un’essenzialità a suo modo cristallina, della quale non si può spostare un millimetro e anche solo pensarlo sarebbe un delitto. 
“Questa storia è la memoria di un cataclisma. Questa storia è la memoria del mio paese”. È lo stesso Lav Diaz a irrompere sulle immagini con la sua voce fuori campo, poco dopo il prologo e poco prima dell’epilogo, ribadendo che la cronaca dell’episodio traumatico isolato, nonché per estensione la storia personale del singolo individuo, è parimenti importante per determinare la Storia, quella ufficiale, quella che i popoli come il suo, ancora preda dei loro limiti animisti e della propria stessa naiveté naturalista, non hanno il diritto non solo di scrivere ma nemmeno, più drasticamente, di vivere. 
Grazie al vigore senza pari delle sue immagini come sempre sovrumane e di un incanto mai così commovente e struggente, Lav Diaz riesce anche nell’impresa di mettere in scena una giovane connazionale gravemente disturbata senza far apparire quel frangente ambiguo e ricattatorio, ma solo umano e onesto come poche altre cose. Moralmente altissimo come un cinema che è capace di unire civiltà ed epica senza lasciare a quest’ultima la licenza di stritolare la prima, che è in grado di guardare in faccia un popolo oppresso con occhi impassibili eppure palpitanti. Il tutto in un “paese morto” diventato “paese dei morti”, nel quale la traspirante bellezza della natura (le scene alla scogliera mettono spalle al muro, tanto sono potenti) sposa l’efferatezza del gesto dell’uomo dando luogo a un ossimoro che è senza ritorno come tutte le tragedie ineluttabili e tutte le compresenze drammatiche che martorizzano certi angoli del mondo. 
È soprattutto questo aspetto, tra i tanti, a fare di  From What Is Before, senza mezzi termini, una delle più grandi esperienze cinematografiche degli ultimi anni, il manifesto perfetto di un cinema atto a spingersi oltre l’impossibile e di guadare qualsiasi fiume. Anche il più ostile. Anzi, proprio quello.

Davide Eustachio Stanzione

Sezione di riferimento: Festival Locarno


Scheda tecnica

Titolo originale: Mula sa kung ano ang noon
Regia: Lav Diaz 
Sceneggiatura: Lav Diaz 
Montaggio: Lav Diaz 
Fotografia: Lav Diaz
Anno: 2014
Durata: 338'
Interpreti: Hazel Orencio, Perry Dizon, Liryc Paolo Dela Cruz, Kim Perez, Lucky Jay De Guzman

Un bellissimo mosaico, da costruire pezzo per pezzo secondo la propria sensibilità, per poi perdersi tra le figure e le immagini, senza remore e senza limiti. Ecco in cosa consiste il programma dell'edizione 67 del Festival di Locarno, la seconda (ottimamente) diretta da Carlo Chatrian. Un cartellone bulimico, nel quale ogni appassionato e ogni addetto ai lavori può scegliersi una strada ben definita, o saltare da un sentiero all'altro tracciando, per parafrasare le parole dello stesso direttore artistico, “una mappa che prevede un sistema ragionato di segni, in cui privilegiare la sovrapposizione, la condivisione e lo scambio”.
Analizzare nel dettaglio il programma di Locarno 2014 è impresa ardua, vista l'impressionante mole di contenuti, titoli, suggestioni, novità e curiosità. Ci limitiamo quindi a segnalare alcuni spunti, senza pretese di esaustività, concedendo la prima citazione a colei che il sottoscritto definisce da tempo la migliore attrice al mondo: Juliette Binoche. La splendida interprete francese sarà a Locarno il 15 agosto, per ricevere l'Excellence Award Moet & Chandon; per l'occasione si terrà una conversazione con l'attrice aperta al pubblico, e la Binoche sarà poi in Piazza Grande, dove dopo la premiazione sarà proiettato Sils Maria di Olivier Assayas, applaudito all'ultimo Festival di Cannes. Un appuntamento imperdibile.
Tra i numerosi ospiti che quest'anno presenzieranno a Locarno, possiamo citare alla rinfusa i nomi di Mia Farrow, Victor Erice (Pardo alla carriera), Agnès Varda (Pardo d'onore), Jean-Pierre Léaud (anche lui Pardo alla carriera), Garrett Brown, Armin Mueller-Stahl, Suzanne Clément, Julie Depardieu, Luc Besson, Jason Schwartzman, Paul Vecchiali, Melanie Griffith, Alexander Sokurov, Hippolyte Girardot, lo stesso Assayas e molti, molti altri. Tra gli eventi principali che si terranno nello spettacolare scenario di Piazza Grande, oltre a Lucy e Sils Maria, si vedranno tra gli altri Il gattopardo, Marie Heurtin (con Isabelle Carré), À la vie (con la sopracitata coppia Clément-J.Depardieu), The Hundred-Foot Journey di Lasse Hallstrom e Geronimo di Tony Gatlif (film di chiusura). 
Il concorso internazionale prevede 17 titoli, provenienti da tutto il mondo, tra i quali balzano subito all'occhio il francese Fidelio di Lucie Borleteau (con Melvil Poupaud), l'italo/francese La sapienza di Eugène Green (con Fabrizio Rongione, attore feticco dei Dardenne, presente anche nel recente Deux jours, une nuit), e From What is Before, la nuova ampissima (338 minuti) fatica del regista di culto filippino Lav Diaz. Accanto a loro nomi magari poco noti, tra i quali però si nascondono certamente talenti tutti da scoprire.
Locarno continua nel suo ammirevole e vitale percorso di libertà, dando spazio al cinema nelle sue forme più variegate e sperimentali, ma getta un occhio anche alla tradizione, ospitando quest'anno la solidissima retrospettiva dedicata alla Titanus, con una cinquantina di titoli in programma. Molto interessanti anche le sezioni Cineasti del Presente, con 15 titoli di autori esordienti (o quasi) divisi tra fiction e documentari, e I pardi di domani, spazio per giovanissimi registi alle prese con i loro primi corto/mediometraggi, alcuni dei quali provenienti da una scuola balcanica e realizzati con la supervisione di Sokurov. 
Non è finita qui: la nuova sezione Signs of Life andrà a esplorare nuove forme del linguaggio filmico, leHistoire(s) du Cinéma cercheranno di riscoprire opere del passato non molto conosciute dal grande pubblico, mentre la sezione Open Doors proporrà molti titoli provenienti dall'Africa subsahariana.
Una doverosa citazione va infine al Fuori Concorso, in cui si avrà l'opportunità di visionare, tra gli altri, Adieu au langage del maestro Jean-Luc Godard, Creep di Patrick Brice e Dialogue d'ombres di Straub/Huillet, mentre nelle giurie chiamate a valutare i lavori in concorso ci saranno Gianfranco Rosi, Rutger Hauer, Clémence Poesy, Connie Nielsen e Alice Braga, con proiezioni di titoli estratti dalle rispettive filmografie.
Abbiamo detto tutto? No. E forse è anche giusto così, perché quello di Locarno è un evento in cui bisogna lasciare a tutti l'opportunità di studiare, provare, azzardare e gioire, seguendo l'istinto, senza forzature, così che la magica “mappa” festivaliera posa condurre ogni spettatore a trovare i propri tesori nascosti.
Appuntamento dunque sulle sponde del Lago Maggiore, dal 6 al 16 agosto. Il programma completo è disponibile sul sito ufficiale, su cui anche quest'anno sarà disponibile l'utilissimo servizio Pardo Live Tv, grazie al quale si potrà assistere in diretta streaming gratuita a presentazioni, incontri e premiazioni. 

Alessio Gradogna

Sezione di riferimento: Locarno